ENTREVISTA A MARIO LÓPEZ RUIZ

artista plástico

Mario es un artista plástico que está comenzando su andadura artística en estos años, un buen ejemplo de creador emergente. Empezó su proyecto de retratos a partir de encontrarse en Barcelona, volviendo a casa de noche, unas fotografías tiradas en el suelo, quizás producto de algún tirón, envueltas en un paquete y esparcidas por la acera. Las recogió, y como no tenía ninguna implicación emocional con esas imágenes se puso a experimentar  en ellas con técnicas fotográficas del siglo XIX. Más tarde, empezó a trabajar más a fondo sobre estas mismas fotografías y otras que le fueron dando amigos y conocidos hasta conformar un proyecto llamado Índice de identidad, que explora la imagen fotográfica como signo identitario.   

 ¿POR QUÉ DECIDISTE SER ARTISTA PLÁSTICO?

No voy a decir lo que todo el mundo cuando entra en Bellas Artes, que a mí me gustaba mucho pintar o dibujar de pequeño. Yo siempre he sido muy mío, siempre he querido hacer cosas distintas, intentar desarrollar cosas de mí que a lo mejor otros estudios más teóricos no me permitían.

¿CÓMO DEFINIRÍAS TU OBRA? ¿EN TORNO A QUÉ TEMAS GIRA?

Yo estaba bastante desilusionado en la carrera, como le sucederá a mucha gente. Y decidí poner en riesgo el curso practicando con dos vías muy diferentes. Por un lado, la abstracción, con la que ya venía trabajando, y por otro el retrato, para poder hablar de la identidad y la identificación, un tema sobre el que les gusta teorizar mucho a los artistas con la mano levantada. Y creo que esa decisión fue un asentamiento importante para mí porque yo andaba algo perdido. Hablar de cosas terrenales que tenemos en común todas las personas: la identidad, el rostro, el retrato… me hizo funcionar, poner los pies en el suelo,  especializarme e informarme sobre algo para poder producir obra.

¿CUÁLES HAN SIDO TUS MODELOS DE REFERENCIA, LOS QUE HAN INSPIRADO TU OBRA? 

Nunca me había gustado la “fotografía”, los fotógrafos que había visto hasta entonces, que usan la poca profundidad de campo o enfocar solo una pequeña parte de la escena, no eran lo que me gustaba. Eso es lo que mucha gente entiende por fotografía, pero esta tiene varios modos y modelos. Una vez que empecé a ver fotografías de retrato empecé a conocer a artistas que trabajaban de otra forma como Thomas Ruff o Richard Avedon, que eran capaces en una fotografía de mostrar algo más allá de la simple estética.

¿QUÉ RECURSOS, FORMALES O DE OTRO TIPO, UTILIZAS EN TUS OBRAS?

Me gusta coger objetos de la realidad, como la fotografía de carnet, un objeto que todos llevamos encima y abrir sus posibilidades. A partir de algo real intentar construir un recurso desde de una característica suya. Intento aumentar su dimensión, no en su forma física, sino para descubrir nuevos conceptos.

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 ¿QUÉ RELACIÓN GUARDA TU TRABAJO CON LA REALIDAD?

Como he dicho, utilizo objetos que todos llevamos y usamos como los carnet para identificarnos al pasar controles. Yo pongo de relieve aspectos que la gente no ve a simple vista pero que tiene al alcance.

LA GRAN PREGUNTA, SEGÚN TU OPINIÓN, ¿PARA QUÉ SIRVE EL ARTE?

El arte tiene un carácter utilitario, sirve para ilustrar ideas: la publicidad, la ilustración, el diseño… dar forma a los contenidos, y luego tiene un carácter romántico, el que hace más ilusión, el inspirador, el que te da otras visiones… El arte de galería y museo intenta mostrarte algo de lo que no te das cuenta por ti mismo.

 ¿QUÉ ESPERAS POR PARTE DEL PÚBLICO QUE VE TU OBRA? ¿TE DIRIGES A ALGÚN TIPO DE PÚBLICO EN PARTICULAR?

Intento que se impliquen pidiéndoles sus propias fotografías. Yo ya no las genero, sino que intento que me las den, y así recojo a la gente y su círculo. Me dirijo primero a los más cercanos, y luego busco que la gente que vaya a ver mi obra deje su imagen. Mi objetivo es alcanzar a todo el mundo que se pueda sentir aludido.

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¿CUÁL CREES QUE ES PAPEL DE LA IMAGEN EN LA IDENTIDAD INDIVIDUAL DE CADA UNO DE NOSOTROS EN UN MUNDO REPLETO DE IMÁGENES COMO EL NUESTRO?

Como dice Joan Fontcuberta, ahora la imagen personal, las fotografías que nos hacemos y colgamos en Facebook, Twitter e Instagram intenta que los demás vean que seguimos ahí. Si no cuelgas nada una semana es como si te hubieras ausentado del mundo. Es una significación de la persona, en algunos casos bastante obsesiva, y por eso yo me voy a la época en la que no existía todo esto, y recupero la fotografía del siglo XIX, las técnicas artesanales…

¿QUÉ FORMACIÓN TIENES? ¿QUÉ VALORAS MÁS DE TU PERIODO FORMATIVO?

Hice Bellas Artes entre Aranjuez y Barcelona, un Máster en Investigación en Prácticas artísticas y visuales en Cuenca, y otro Máster  en Investigación y gestión del patrimonio histórico en Toledo. Creo que los estudios de Bellas Artes se disfrutan más con cierta experiencia, en la formación básicamente lo que adquieres son destrezas. Los postgrados me han ayudado más a dar forma y acotar mis ideas.

¿CUÁLES SON TUS EXPECTATIVAS PROFESIONALES?

Intentar mantener mi breve recorrido de exposiciones y muestras e intentar conjugarlo con algo más “funcional”. Este año estoy descubriendo que me apasiona la organización y la investigación de archivos fotográficos, y ya que el arte en sus comienzos no da de comer, podría ser un camino a seguir.

¿CÓMO DEFINIRÍAS LA SITUACIÓN DE LOS ARTISTAS PLÁSTICOS ESPAÑOLES?

Yo creo que el problema aquí es que cuando dices “arte” la gente piensa en las grandes ferias como ARCO, y se ha fomentado la idea de que el arte es especulación. La noticia de que una persona compra un cuadro en IKEA y lo vende en ARCO por varios millones es la idea que queda en la sociedad. Yo invito a la gente a que, en lugar de ir a esos sitios se dé un paseo por las galerías, centros culturales y el “bajo mundo” del arte, que son los que pueden llegar a emocionarles. Los artistas emergentes, que intentamos movernos en redes sociales, nos diluimos entre la enorme cantidad de información que hay. Las exposiciones con amigos, convocatorias, etcétera, son nuestra fuente de vida, y creo que la asociación es indispensable, la unión hace la fuerza.

Teresa López Flores
Teresa es historiadora del arte y seguidora habitual de todas las ramas de la cultura independiente nacional. Ha trabajado en un sitio tan postinero como el Louvre de París y tiene una sensibilidad particular con el arte contemporáneo. Le hemos pedido que no hable de la aquiescencia kuhniana de los subterfugios freudianos del arte conceptual pictográfico. Por vuestro bien.
Me gusta El verde de los rostros de Kirchner y el de las medias de Irma la Dulce
No me gusta El doblaje de las películas europeas
Pasaría una noche en vela con Linda Nochlin
Una obra de arte en la que viviría En el Siddhartha de Herman Hesse
Bigote preferido el del Capitán Garfio

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